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77. Stück: Wann deutsche Filme und Popmusik scheiße sind

Zuerst wollte ich diesen Essai „Warum deutsche Filme und Popmusik scheiße sind“ nennen, aber dann fielen mir immer mehr Beispiele von guten deutschen Filmen und gelungenen deutschsprachigen Liedern ein. Und da habe ich mich gefragt, was denn den Scheiß von guten Werken unterscheidet. Das ist gar nicht so einfach zu sagen, weil solche Urteile immer subjektiv sind, und das, was ich für grauenhaft erachte, andere wunderbar finden. Keiner von uns hat dann recht oder unrecht, es sind eben verschiedene Geschmäcker und Meinungen. Dennoch habe ich den Eindruck, dass es doch so ein paar Dinge gibt, die mir typisch Deutsch vorkommen, und zwar im negativen Sinne. Über die positiven Seiten der deutschen Sprache werde ich noch einmal gesondert einen Beitrag schreiben, heute geht es mal darum, was mich bei deutschsprachigen Machwerken oft stört.

Ich möchte überdies gern alle Leser dazu einladen, mir in den Kommentaren zu widersprechen oder auch zuzustimmen und Dinge zu ergänzen, die mir vielleicht nicht aufgefallen sind. Dann wird die Angelegenheit wenigstens ein bisschen intersubjektiv. 🙂

Am besten fange ich mit ein paar Beispielen deutschsprachiger Filme und Lieder an, die ich ganz schauderhaft finde. Silbermond, Juli, Revolverheld, Die Toten Hosen (zumindest den neueren Scheiß à la „Tage wie diese“, urgs 😛 ) und Xavier Naidoo sind beispielsweise Bands/Sänger, die mir zuverlässig mit ihrer Musik auf den Wecker fallen und ein genervtes „Roooh, nicht DIE schon wieder!“ begleitet von sofortigem Wechseln des Radiosenders hervorrufen. Ich nenne diese Musikrichtung gern „supernachdenklichen Deutschpop“, weil da auf Krampf versucht wird, megasensibel zu wirken und derbe poetisch rüberzukommen. Dann werden da entweder ganz melancholisch mit dünnem Stimmchen Platitüden ins Mikro gehaucht oder gewollt verwegen plattes, vor Pathos triefendes Klischeezeug gegrölt, um allen zu zeigen, wie ungemein emotional man gerade drauf ist. Die Melodien sind entweder so gut wie nicht vorhanden oder so simpel und unoriginell, dass es einen schon aggressiv macht vor Langeweile.

Wenn schon die musikalische Seite unerträglich ist, könnte zumindest ein schlauer, witziger, ironischer, leichter, liebenswerter oder zum Nachdenken anregender Text den ganzen Kram retten. Das tut er aber bei besagten Beispielen nicht. (Anmerkung am Rande: Das „meiner Meinung nach“ und „meines Erachtens“ etc. möge man sich bitte dazu denken) Im Gegenteil, da wird’s dann teilweise richtig schlimm. Von Leichtigkeit und Raffinesse, Humor, echten Gefühlen oder Gesellschaftskritik keine Spur. Stattdessen wird zum x-ten Mal darüber schwadroniert, dass früher alles besser war, was für eine tiefe Männerfreundschaft einen mit seinen Kumpels verbindet, nur, weil man regelmäßig gemeinsam in einer versifften Kneipe saufen geht. Oder es wird ganz platt und unsubtil herausposaunt, was für ein perfekter/großartiger/fantastischer/bester Tag aller Zeiten es doch ist.

Wahlweise wird auch noch mit Trampelschritten der Liebe gehuldigt, vor allem im Schlager, indem mit absurder Inbrunst herumgetrötet wird, dass man durch die Nacht geht, gemeinsam den Sternenhimmel schön findet, nur Du und ich, ich und Du, Müllers Esel schubidu. ‚Tschuldigung, da sind gerade die Maultiere mit mir durchgegangen, zurück zum Thema. Am besten schmeißt man auch noch die Zahl Tausend mit in den Text, das kommt immer gut, weil „Tausend“ ja total viel ist, also fast schon „unendlich“. „Unendlichkeit“ ist dann auch so ein Wort, ebenso wie „Ewigkeit“, „Leidenschaft“, „spüren“, „Tag“ und „Nacht“, „Sonne“, „Mond“ und „Sterne“, die in keinem deutschen Schlagertext fehlen dürfen. Ich stelle mir das Texten solcher Lieder so vor: Man schmeißt diese ganzen wahnsinnig emotionalen Begriffe auf Zettelchen geschrieben in einen Pott, wirft vielleicht noch ein paar ferne Länder oder beliebte Urlaubsziele mit dazu, rührt einmal kräftig durch und zieht dann ein paar Wörter heraus. Daraus schustert man den Text dann zusammen. „Mit Dir durch die Unendlichkeit, mit Leidenschaft in die Ewigkeit, Dich spüren Tag und Nacht! Du und ich, ich und Du, wir schauen Sonne, Mond und tausend Sternen zu, im Himmel über Capri, wo ich die Liebe fand!“ Humpta-humpta-humpta!

Mich stört daran vor allem dieses Offensichtliche, dieses Platte, dieses Berechnende. Da hat man den Eindruck, die Leute haben sich überhaupt keine Mühe gegeben, das wirkt alles so unehrlich und unauthentisch. Wobei man da sicher auch noch differenzieren kann, ich denke schon, dass Silbermond, Juli, Xavier Naidoo und Co. sich bei ihren Texten was gedacht haben und das auch wirklich so meinen und ganz viel dabei fühlen. Es wirkt trotzdem immer alles so, als habe man sich einmal ein bestimmtes Schema ausgedacht und für gut befunden. Die Lieder sind dann keine individuellen Werke mehr, sondern es wird alles in dieses Schema gepresst, mit dem Ergebnis, dass nachher alles gleich klingt. Vielleicht erweckt das dann bei mir den Eindruck des „Unechten“, weil sich selbst das coolste Schema irgendwann abnutzt und oberflächlich wird. Möglicherweise fällt es mir auch nur deswegen negativ auf, weil ich das Schema besagter Musiker grauenhaft langweilig finde. Entspräche es meinem Geschmack, fände ich es vielleicht gar nicht schlimm.

In deutschen Filmen beziehungsweise Filmszenen, die ich nicht mag, fällt mir ebenfalls vor allem die fehlende Leichtigkeit und Subtilität auf. Gepaart wird das Plumpe, Platte, Schwere und Offensichtliche obendrein häufig mit einer viel zu angestrengten, gewollten, unignorierbaren Absicht, große Gefühle zu illustrieren sowie dem Klischee des Volks der Dichter und Denker in den Allerwertesten zu kriechen, indem man extra poetische Bilder und eine vermeintlich voll lyrische Sprache wählt. Ein Beispiel dafür ist Was nützt die Liebe in Gedanken von Achim von Borries. Die Schauspieler werden dann genötigt, ein völlig leeres, ausdrucksloses Gesicht zu machen, die Schultern nichtssagend hängen zu lassen und – schon wieder mit dünnem Stimmchen oder unverständlichem Genuschel – supernachdenkliche Platitüden vor sich hin zu hauchen. Am besten ist dann auch immer möglichst oft jemand nackt, idealerweise sieht man auch alles, damit alle wissen, wie überhaupt nicht verklemmt der Deutsche an sich ist. Die Filmmusik ist passend dazu ein unerträgliches Unglücksgeraune, das jede Szene mit Pathos verklebt wie eine im Rucksack ausgelaufene Flasche Multivitaminsaft. (Ich weiß, wovon ich rede, einem solchen Vorfall ist mein erstes Handy zum Opfer gefallen.)

Meistens werden die Bilder in blasse Grau- und Blautöne getaucht, damit alles noch viel melancholischer und nachdenklicher wirkt. Zu allem Überfluss wird aber auch dieses penetrant Öde nicht konsequent durchgezogen, sondern ab und zu wird’s total emotional. Dann brüllt plötzlich jemand los, und zwar so, dass man überhaupt nicht akustisch versteht, was gerade los ist. Das soll wohl authentisch wirken, tatsächlich aber wirkt es einfach nur aufgesetzt. Ganz besonders albern wird es, wenn deutsche Filme nicht so ganz wissen, wie sie anfangen oder aufhören sollen. Dann wird nämlich einfach getanzt. Ohne Grund und ziemlich ungelenk und tapsig vollführen die Figuren dann ein paar Tanzschrittchen. Das sieht man häufig im Tatort oder Polizeiruf 110. Was das soll, habe ich bislang noch nicht verstanden.

So weit meine kleine Tirade, was ist eure Meinung dazu?

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64. Stück: „Rocco Darsow“ von René Pollesch im Malersaal des Deutschen Schauspielhauses am 17. Juni 2015

Liebe und Realität

Nach längerer postdramatischer Theaterabstinenz habe ich letzte Woche Rocco Darsow von René Pollesch im Malersaal des Deutschen Schauspielhauses in Hamburg angeschaut – und war begeistert! Die Bühne besteht aus einer überdimensionalen Torte (mit essbaren Elementen), zwei Leinwänden und einem riesigen schwarzen Totenkopf, der aus der Mitte herausragt. Die Hälfte des kurzen Stücks verbringen die Schauspieler Martin Wuttke, Bettina Stucky, Christoph Luser und Sachiko Hara innerhalb des Totenkopfs. Sie werden dabei gefilmt und die Bilder werden live auf die Leinwände projiziert. Dies ist ein für Pollesch typischer Verfremdungseffekt, der dem Zuschauer offenbart, dass er sich gleichzeitig in einem Theaterstück (also einer Fiktion) und in der Realität befindet.

Polleschs Stücke lassen sich wie eine fortgesetzte Work in progress betrachten. Es wird nicht jedesmal eine abgeschlossene Geschichte erzählt, sondern es werden verschiedene Themen aus den Bereichen Leben, Lieben, Wirtschaft und Gesellschaft verhandelt. Dabei treten manche Leitmotive häufiger auf als andere und werden nicht nur von einem Stück zum nächsten wieder aufgegriffen, sondern auch innerhalb eines Stücks wiederholt. Jedoch sind diese Wiederholungen nicht exakt gleich, sondern stets leicht variiert. Das liegt daran, dass Pollesch seine Stücke nicht erst schreibt und dann seinen Schauspielern vorsetzt. Er entwickelt seine Texte gemeinsam mit den Schauspielern im Probenprozess, wobei die Leitmotive und wiederkehrenden Themen von jedem Schauspieler ein wenig anders betont und interpretiert werden.

Die Themen, die in Rocco Darsow im Mittelpunkt stehen, sind die Liebe, die Realität, das Sein. Der Totenkopf in der Mitte erinnert – das wird im Stück auch explizit gesagt – an den Terminator, nachdem seine menschliche Hülle verbrannt ist. Dieser intertextuelle Verweis auf einen der Klassiker der Popkultur und einen der bekanntesten Zeitreise-Filmen stellt die Frage: Was ist Realität? Schließlich wird in Terminator durch das Großvaterparadoxon die Realität innerhalb der erzählten Welt durcheinander gebracht, sodass sich nachher kaum logisch entwirren lässt, wo die Ursache und wo die Folge der Handlungen sind, die die erzählte Wirklichkeit bestimmen. In wechselnden Variationen stellen die Schauspieler in Rocco Darsow immer wieder die Frage, wie Realität zustande kommt. Wenn eine Person einer anderen ihre leidenschaftliche Liebe gesteht, wird Letztere durch diese Aussage dann erst zur Geliebten? Oder war sie es schon vorher? „Und ist nicht das die Realität, die immer so tut als wäre sie schon da, aber sie ist immer erst nachträglich da.“

Trotz solcher Texte, die für Gehirnknoten sorgen, ist Rocco Darsow sehr witzig und unterhaltsam geraten. Auch das begegnet dem Zuschauer regelmäßig in Polleschs Stücken, dass die durchweg hervorragenden Schauspieler voller Spielfreude das Publikum mitreißen. Das rasende Tempo, in dem die Texte vorgetragen werden, der ehrliche Tonfall, die Mischung aus Umgangssprache und Fachbegriffen regen zum Nachdenken an, ohne zu belehren.

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45. Stück: Miley Cyrus als Epigone der Popkultur

Mir ist gerade so danach, einen intellektuellen Essay über eine der überbewertetsten Figuren der zeitgenössischen Pop-Welt zu schreiben: Miley Cyrus. Diese kleine Hupfdohle hat nämlich nicht nur nichts erfunden, sondern ahmt den Kram, den sie da veranstaltet, auch noch schlecht nach. Zum Vergleich habe ich hier mal auf YouTube zwei Videos hervorgekramt. Das erste zeigt den sogenannten Skandal-Auftritt von Miley Cyrus bei den MTV-Music Awards 2013 und das zweite zeigt Madonna bei einem Konzertauftritt:


In Video Nummer 1 sehen wir also Miley Cyrus, wie sie sich als Epigone der Popkultur versucht und damit kläglich scheitert. Ich nehme zumindest stark an, dass sie von der Wirkung her in etwa das im Sinn hatte, was Madonna in Video Nummer 2 tut. Besonders in Sachen Sex Appeal und Erotik misslingt Miley Cyrus jedoch der epigonale Gestus und wirkt einfach nur peinlich. Madonna hingegen war eine der ersten, die Sex Appeal und Erotik für weibliche Sängerinnen derart explizit auf die Bühne brachte und auch heute noch muss man zugeben, dass sie das wirklich gekonnt tut. Interessant finde ich in dieser Hinsicht den direkten Vergleich der Striptease-Einlagen, im Miley-Cyrus-Video etwa bei 00:16 und bei Madonna ungefähr ab 04:33. Miley Cyrus schlenkert völlig unkoordiniert mit den Armen (überhaupt keine Körperspannung – das nennt sie tanzen?) und rührt dabei mit ihrer Zunge in der Luft herum, während sie sich ihres Badeanzuges entledigt, um darunter fleischfarbene Lack-Unterwäsche zu entblößen. Madonna hingegen bleibt die ganze Zeit exakt im Takt, führt jede Bewegung bewusst aus, vermeidet kindisches Herumgekasper, jede Geste, jeder Schritt sitzen einfach genau richtig.

Die Reaktion der Moderatoren bei Miley Cyrus und ihrem niedlichen kleinen Striptease-Versüchlein sagt im Grunde schon alles: „Oh!“ und „Oooh, Nooo!“ So klingt niemand, der irgendwas sexy findet und so klingt auch niemand, der ernsthaft schockiert ist. So klingt jemand, der sich ganz fürchterlich fremdschämt. Und auch ich schäme mich einfach nur fremd, wenn Miley Cyrus sich mal wieder nackich macht oder etwas vergleichbar Langweiliges unternimmt, um Leute zu schocken oder so. Das Problem ist, dass Miley Cyrus einfach nichts Neues macht. Und klar, sie könnte das ganze Nachgemache natürlich postmodern meinen und ironisch brechen, aber dafür fehlen ihr – so meine Vermutung, die in keinster Weise der Wahrheit entsprechen muss – ein paar Gehirnzellen. Deswegen ist ihr epigonales Gehabe eben nichts weiter als das: epigonales Gehabe.

Ein bisschen Mitleid habe ich ja schon fast mit dem Mädchen. Die Kleine will doch auch nur bei den Großen mitspielen und cool sein und dazugehören. Und vielleicht hat sie auch einfach keine Lust mehr, das süße, brave, anständige Disney-Mädel zu sein, mit dem sie berühmt geworden ist. Kann ich verstehen. Wenn man hoffnungslos putzig aussieht, wird man häufig unterschätzt und für dumm und naiv gehalten, das nervt total, ich weiß wovon ich rede. Aber dann einfach nur das Äußere radikal verändern und sich im Inneren aushöhlen führt nur dazu, dass man fürchterlich peinlich wirkt. Dann ist das einfach nur ein netter Versuch, das Niedlich-Image abzulegen und es ist total offensichtlich. Da müssen Inhalte, Statements, Werte und Überzeugungen dahinter stehen, wenn man einen Image-Wechsel anstrebt. Sonst ist das Ergebnis einfach nur erbärmlich und lächerlich. Wenn man innerlich immer noch ein kleines, verwöhntes Gör ist, kann man sich noch so sehr die Haare blondieren und auf dem Kopf zu kleinen Häufchen zwirbeln, man kann noch so oft die Zunge rausstrecken und noch so viel ausziehen und so wenig anbehalten wie möglich – man erkennt von außen immer noch nur das kleine, verwöhnte Gör. Miley Cyrus sollte lieber wieder zur Schule gehen und dann vielleicht studieren oder wenigstens öfter mal ein Buch lesen und ins Theater, Museum oder Kino gehen – dann würde sie vielleicht auch eigene Ideen für ihre Auftritte haben und müsste nicht mehr alte Meister schlecht nachahmen. Nur so, meine Meinung.

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40. Stück: Katja Riemann und der fettnäpfchentretende Moderator

Die NDR-Talkshow „Das!“ hat wieder einmal mit einem peinlichen Interview von sich reden gemacht. Allerdings ist es dieses Mal nicht eindeutig, für wen es beschämender war, für den Gast oder den Moderator. Jedenfalls gab sich Katja Riemann, der Gast, große Mühe, der harmlosen Plauderei ein wenig Tiefsinn zu geben, während der Moderator Hinnerk Baumgarten mit wachsender Ratlosigkeit versuchte, das ihm entgleitende Gespräch wieder auf ein freundliches Plauderniveau zu heben. Da prallten einfach mal zwei völlig konträre Absichten frontal aufeinander, dass es nur so krachte. Aber bevor ich das bemerkenswerte Interview weiter analysiere, ist hier erstmal das Video:

Mir tut Hinnerk Baumgarten ja schon leid. Ich finde, der wirkt wie ein netter, sympathischer Kerl, der gar nicht so recht weiß, wie ihm geschieht, als Katja Riemann ihn vor allen Leuten demontiert. Allerdings – und da zeigt er sich leider etwas unflexibel – stellt er der armen Katja Riemann wirklich selten dämliche Fragen. Wenn ich in ein Interview ginge mit lauter tiefsinnigen, intellektuellen Gedanken im Gepäck, und dann werde ich nach meinen Haaren gefragt, Mann, da wäre ich aber auch so richtig genervt. Im Grunde ist das Sexismus, mit Verlaub, auch wenn der Begriff vor ein paar Wochen vielleicht etwas überstrapaziert wurde und den jetzt sowieso keiner mehr ernst nimmt. Nicht, dass das vorher irgendwer getan hätte. Trotzdem, eine Frau auf ihre Haare zu reduzieren, ist plumper Sexismus. Dementsprechend runzelt Katja Riemann da auch bereits irritiert die Stirn und scheint sich zu fragen, wo sie denn da gelandet sei. Meiner bescheidenen Ansicht nach ist ihr Sich-auf-den-Schlips-getreten-fühlen ob dieser blöden, überflüssigen und nicht im geringsten interessanten Frage nicht zu übersehen. Das hätte man als Moderator merken und rechtzeitig gegenlenken können. Zum Beispiel, indem man sich entschuldigt und die Flucht nach vorn antritt: „Entschuldigen Sie, die Frage war gerade echt dämlich, lassen Sie uns das Thema wechseln …“

Aber stattdessen reitet er weiter auf dieser Haargeschichte herum, da ist Katja Riemanns lapidarer Kommentar „Das is ne Perücke“ finde ich durchaus angebracht. Und lustig. Jedenfalls, durch diese haarige Angelegenheit hat er es sich dann mit ihr verscherzt und danach war sie endgültig auf Krawall gebürstet, scheint es mir. Man merkt zwischendurch, wie sie ihre Genervtheit vergisst, wenn sie von ihrem Beruf spricht, und das sind die interessanten Momente des Interviews. Schade, dass der Moderator sie darin unterbricht und nicht merkt, dass Frau Riemann keineswegs in Plauderlaune ist. Also, so sympathisch er auch sein mag, da muss man sich meiner Meinung nach als Interviewer schon ein wenig darauf einstellen, worüber der Gast gerne sprechen möchte und worüber nicht. Und als er dann das Filmchen aus Katja Riemanns Heimatörtchen zeigt und sie knallt ihm ein „wahnsinnig peinlich“ in die Fresse, als er fragt, wie sie sich danach gefühlt habe, finde ich das eigentlich ganz erfrischend. Endlich sagt das mal einer. Denn diese Filmchen mit dem Privatgedöns der Leute, das interessiert doch wirklich niemanden und das ist immer peinlich. Das sagt bloß keiner, weil alle höflich sind. Aber Katja Riemann scheint darauf zu pfeifen, ob sie höflich wirkt oder nicht. Und das ist irgendwie cool. Ich kann sie auch absolut verstehen, dass sie nicht gern über sich als Privatperson spricht, sondern lieber über das, was sie tut. Das ist doch auch viel spannender. Ich persönlich will eigentlich gar nicht so genau wissen, wie die Schauspieler als Privatmenschen sind, nachher muss ich beim nächsten Film die ganze Zeit daran denken, was der als Privatmensch für ein Arsch ist. Dann kann man doch gar nicht mehr der Geschichte folgen. Außerdem, ich habe das selbst schon auf der Schauspielschule gehasst wie die Pest, wenn ich erzählen sollte, wie es mir persönlich „dabei ging“, wie ich mich „gefühlt“ habe. Was soll man denn auf so einen Mumpitz antworten? Denn mit „ganz OK“ lässt sich ja niemand abspeisen. Im Gegenteil, das spornt dann den Fragensteller erst richtig an, noch dämlichere Fragen zu stellen.

Trotz allem Verständnis für Katja Riemanns Reaktion muss ich allerdings sagen, dass sie schon auch etwas freundlicher und nachsichtiger mit Hinnerk Baumgarten hätte sein können. Sie muss doch auch ihrerseits gemerkt haben, dass er sich nur nett unterhalten wollte und dass er auch ein wenig nervös war, so eine berühmte Schauspielerin interviewen zu dürfen. Ihn dann zusammenzufalten und gegen die Wand laufen zu lassen wie einen dummen Jungen ist nicht gerade die feine Art. Es gibt sicher nicht wenige, die sie jetzt als arrogante Ziege betrachten und keine Lust mehr haben, ihre Filme zu sehen. Das ist vom Selbstmarketing her kontraproduktiv. Klar, als Schauspieler hasst man das in der Regel, dieses Selbstmarketing. Das hört sich so unauthentisch an, so verlogen, so rein profitorientiert. Dinge, die den meisten Schauspielern zuwider sind, die lieber eine Geschichte erzählen wollen oder erforschen möchten, wie sich Menschen in bestimmten Situationen verhalten und warum. Aber leider gehört das dazu, so sehr es mir selbst auch missfällt. Wobei Katja Riemann schon versucht hat, die nervigen Fragen elegant zu umschiffen und das Thema auf Dinge zu lenken, über die sie gern reden möchte. Aber dann kam immer eine neue trutschige Frage, die sie immer weniger Lust hatte, zu beantworten. Immerhin redet man jetzt über sie, das ist ja auch eine Form von Marketing.

Jedenfalls kann ich mir vorstellen, dass der arme Hinnerk Baumgarten so schnell keine Lust mehr haben wird, Katja Riemann zu interviewen. Oberflächlich-fröhlicher Sonnyboy und intellektuell-tiefsinniger Stinkstiefel passen dann auch einfach nicht zusammen.

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38. Stück: Gute Schauspieler, schlechte Schauspieler

Gestern Abend habe ich Quentin Tarantinos Django Unchained im Kino gesehen. Mir fiel wieder ein, dass ich ja schon nach Inglourious Basterds mit dem Gedanken geliebäugelt hatte, mal was darüber zu schreiben, was eigentlich einen guten und was einen schlechten Schauspieler ausmacht.

Django Unchained ist da vielleicht nicht so ein passendes Beispiel, da waren nämlich alle Schauspieler klasse. Aber Inglourious Basterds hatte Christoph Waltz, Brad Pitt, Martin Wuttke auf der einen und Diane Kruger sowie Til Schweiger auf der anderen Seite. Weiteres Beispiel ist vielleicht noch Matthias Schweighöfers Schlussmacher den zu sehen ich letzten Dienstag den Fehler begangen habe. Da gab es Matthias Schweighöfer höchstselbst zum einen und den wunderbaren Milan Peschel zum anderen.

Wie kommt das nun aber, dass ich bei Til Schweiger, Diane Kruger oder Matthias Schweighöfer entweder nur vor Entsetzen erschaudere oder mich schrecklich fremdschäme. Bei Christoph Waltz, Martin Wuttke, Milan Peschel oder Brad Pitt aber mit großem Vergnügen ihr Spiel bestaune und trotzdem der Geschichte folge, die sie erzählen. Bei den schlechten Schauspielern reißt einen das ja total aus der Handlung raus, wenn man sich so über ihre mangelnde Handwerkskunst ärgern muss.

Ich glaube, ein wichtiger Punkt ist das Verhältnis zu sich selbst. Nimmt man sich selbst als Schauspieler viel zu ernst und wichtig, zelebriert diesen seinen Narzissmus wo es nur geht, hat dann auch noch keine Selbstironie und somit keinen Sinn für Humor, ist das schon mal ein guter Ansatz, um so richtig mies zu spielen. Insbesondere bei sogenannten Jungschauspielern – die einen auf Berliner Hipster machen, die einen ja auch in dem einen oder anderen Tatort des Öfteren mit ihrer Eitelkeit und mimikstabilen Hackfresse belästigen – habe ich den Eindruck, die finden sich selbst supertoll und deswegen müssten sie auch ihre Arbeit nicht richtig machen (also schauspielen), weil die können ja eh alles. Eine leichte Tendenz in diese unangenehme Richtung meine ich auch bei Kollege Schweighöfer im Schlussmacher bemerkt zu haben. Eitel und selbstgefällig, ohne Sinn für Timing, Witz und Situationskomik, ohne dramaturgisches Geschick wurden da Banalitäten an Klischees an Stereotypen an Platitüden gereiht und der ganze langweilige Tröt dann auch noch mit penetranter Schleichwerbung durchtränkt, dass nicht einmal Milan Peschel etwas dagegen tun konnte. Dabei ist der normalerweise ein sehr guter Schauspieler, weil er sich voll und ganz auf das Spiel „A spielt B und C schaut zu“ einlässt. Bei Schweighöfer hat man eher den Eindruck „A findet A toll, leiht B sein atemberaubendes Äußeres und C darf bewundern und wird ansonsten für dumm verkauft“. Übrigens findet sich diese Selbstironie, das Einlassen auf das Spiel und die Komplizenschaft mit dem Zuschauer besonders schön bei Christoph Waltz wieder. Ich würde sogar behaupten, er ist zurzeit der Schauspieler, der das am besten beherrscht. Und Brad Pitt beweist ja nicht zuletzt seit Fight Club, dass er sich nicht nur auf sein sogenanntes gutes Aussehen verlässt, sondern auch kein Problem damit hat, sich selbst auf die Schippe zu nehmen. In diese Kategorie gehört auch George Clooney (Burn after Reading! Männer, die auf Ziegen starren!).

Ein weiterer Punkt – etwas spießig, ich weiß, aber unumgänglich – ist das Handwerk. Warum keiner findet, dass Til Schweiger ein guter Schauspieler ist, liegt vor allem daran, dass der nicht richtig sprechen kann. Diane Kruger übrigens auch nicht. Da merkt man am deutlichsten, wer eine Schauspielausbildung genossen hat und wer nicht. Oder wer zwar auf der Schauspielschule war, aber dachte, er kann eh schon alles und muss keine Phonetikübungen und nichts machen, weil er so toll ist. Das spielt natürlich auch in die Kategorie „Nimmt sich selbst viel zu wichtig“ mit hinein. Jedenfalls, Fakt ist, man kann sich selbst für den Größten halten, wenn man als Schauspieler seinen Körper, seine Sprache und seine Körpersprache nicht beherrscht, dann ist man auch nicht gut. Basta. Diane Kruger zum Beispiel hat ja auch null Körperspannung, wie sie da immer die Schultern hängen lässt und keinen Ausdruck im Gesicht hat. Deswegen hat die ja auch keine Ausstrahlung. Einen Schauspieler ohne Ausstrahlung kann man direkt mal vergessen. Mit Herrn Schweigers Ausstrahlung ist es im Übrigen auch nicht so weit her. Der kriegt ja nicht nur die Zähne nicht auseinander, der kriegt ja gar nichts in seinem Gesicht nennenswert bewegt und aus seinen Augen leuchtet überhaupt nichts. Bei Christoph Waltz hingegen blitzt es immer hintersinnig aus den Augenwinkeln. Da denkt man, da geht noch was, da ist noch mehr, da steckt was dahinter. Nicht so bei Schweiger, Schweighöfer oder Kruger. Schweighöfer beherrscht zwar einigermaßen sein Handwerk (als Schauspieler, Drehbuchautor und Regisseur sollte er sich das hingegen noch mal überlegen), aber wer sich selbst so grandios findet und sich nur selbst darstellt, hat eben auch nur sich selbst in den Augen und kein Geheimnis, das einen neugierig auf mehr macht.

Und was hat es bei der ganzen Sache nun mit diesem sagenumwobenen „Talent“ zu tun? Gibt’s das am Ende gar nicht und ein guter Schauspieler ist einfach nur die Mischung aus einer bescheidenen, selbstironischen, aber wachen und neugierigen inneren Haltung auf der einen und dem sorgfältigen Erlernen und Üben des Handwerks auf der anderen Seite? Oder gibt es so etwas wie Naturtalente? Ist da ein Unterschied zwischen Theater- und Filmschauspielern? Fragen, die ich gern zur Debatte stelle …

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34. Stück: Die Situation der Schauspieler – Ein Appell

Es gibt wohl kaum einen Beruf, bei dem die Ausübung und die Beschaffung von Arbeit derartig auseinander driften, wie der des Schauspielers. Vielleicht kennt noch jemand die Fabel von Lafontaine über die Grille und die Ameise. Die Grille spielt den ganzen Sommer lang auf ihrer Geige und erfreut alle mit ihrem Spiel, während die Ameise Vorräte sammelt. Dann kommt der Winter. Die Grille friert und hat Hunger. Die Ameise hat ihre Vorräte und hat’s schön kuschelig warm in ihrem Ameisenhaufen. Die Grille fragt, ob die Ameise ihr nicht etwas abgeben könne von ihren Vorräten, aber die Ameise sagt nur: „Was hast du denn den ganzen Sommer gemacht? Geige gespielt. Und jetzt kommst du und willst von meinen Vorräten? Pech gehabt, kannste gleich wieder vergessen. Und wenn dir kalt ist, nicht mein Problem, dann tanz doch jetzt.“ Die Grille verhungert und stirbt in Elend und Armut. Natürlich hätte die Grille auch den ganzen Sommer lang Vorräte sammeln können und sich einen Unterschlupf für den Winter graben können. Aber dann wäre es den ganzen Sommer über freudlos und still geblieben, weil niemand gespielt hätte. Sie hätte überlebt, aber was ist das für ein Leben?

Ich habe den Eindruck, dass viele die Einstellung der Ameise teilen und finden, wer Künstler wird, hat Pech gehabt. Schließlich hätte man ja auch etwas „Vernünftiges“ lernen können. Man hätte ja auch eine fundierte Berufsausbildung machen können. Man hätte ja auch einfach seine eigenen Begabungen ignorieren und etwas machen können, was zwar Geld bringt, einen aber nicht mit Freude erfüllt.

Einmal abgesehen davon, dass professionelle Künstler sehr wohl eine fundierte Berufsausbildung absolvieren und jeden Tag mindestens genau so lange üben, wie andere am Schreibtisch sitzen, frage ich mich, was das für eine Welt wäre, ein Welt ohne Künstler. Denn eine Welt ohne Künstler ist eine Welt ohne Kultur. Und dass ohne Kultur die Welt zugrunde geht, habe ich ja bereits geschildert. Doch immernoch gibt es diese Vorurteile gegen Künstler, insbesondere gegen Schauspieler. Die wären faul, hätten eben keine Lust auf richtige Arbeit und – seien wir doch ehrlich – wer sich so einen Beruf aussucht ist auch ein bisschen doof und sehr viel selber Schuld. Auf einen schönen Theaterabend, einen tollen Kinofilm oder qualitativ hochwertige Fernsehkrimis will man dann aber auch nicht verzichten. Schließlich habe man ja wohl ein Anrecht darauf, nach einem harten Arbeitstag sich ein wenig zu erholen. Dass die Menschen, die für die wohlverdiente Erholung sorgen aber nicht nur arbeiten, wenn alle arbeiten, sondern auch arbeiten, wenn und damit andere sich erholen, wird dabei gern vergessen. Und warum sollte man überhaupt auch Menschen dafür bezahlen, dass sie machen, was ihnen Spaß macht? Es macht ihnen doch auch so Spaß, ohne Geld.

Letzte Woche hat der Tod der Schauspielerin Silvia Seidel, die in den 80er Jahren mit der Rolle der Ballerina Anna bekannt wurde, ein bisschen für ein Aufrütteln gesorgt. Dies zeigt unter anderem der Artikel in der Welt: „Leider kein Geld, aber dafür lecker Catering“. Immerhin muss man bei der in der Überschrift geschilderten Situation seine Verpflegung nicht auch noch selbst bezahlen. Das klingt jetzt sarkastisch, aber ich kenne das aus eigener Erfahrung, dass selbst das keine Selbstverständlichkeit ist. Ich habe in Produktionen mitgespielt, bei denen ich mein Kostüm selbst bezahlen musste. Für Essen und Trinken musste ich auch selbst sorgen. Fahrtkosten zurückerstatten? Pff, ich bin doch nicht Krösus. Für mich war es ein Riesenerfolg, als ich das erste Mal immerhin die Aufführungen bezahlt bekam und die Fahrtkosten auch. Dass ich mich mit einer Pauschalgage übers Ohr hatte hauen lassen und mich mit einem Anwalt dagegen wehren musste, um meine Fahrtkosten vollständig erstattet zu bekommen, ist noch mal eine andere Geschichte. Ich war jung und brauchte kein Geld.

Als Schauspieler kommt man heute nicht mehr darum herum, Fernsehen zu machen. Es sei denn, man will enden wie die Grille in der Fabel. Dafür sollte man am Besten noch einen Extra-Kurs obendrauf satteln, damit man lernt, für die Kamera zu spielen, wenn man vom Theater kommt. Das ist nämlich auch schon wieder so ein Irrtum. Schauspiel ist nicht gleich Schauspiel. Für das Theater und für die Kamera zu spielen, sind zwei Paar Schuhe. Davon aber ein anderes Mal mehr. Fakt ist, diese Kurse sind teuer. Weil sie viel Geld kosten und Schauspieler alles tun, um arbeiten zu können, wollen viele ein Stück vom Kuchen abgreifen. Es tummeln sich wohl in kaum einer Weiterbildungsbranche mehr Scharlatane, Quacksalber und Gurus herum, als bei Schauspielworkshops. Die kommen dann an, mit ihren Methoden und Patentrezepten und Heilsversprechen. Und die verzweifelt unterbeschäftigten Schauspieler rennen denen die Bude ein.

Um gleich mal das größte Vorurteil über Schauspieler aus dem Weg zu räumen: Schauspieler sind nicht faul!!! Das können sie sich gar nicht erlauben. Als Schauspieler muss man allzeit bereit sein. Immer aktuelle Aufnahmen, Fotos, Präsentationsmaterial griffbereit haben. Immer wieder neue Vorsprech- und Castingrollen einstudieren. Und wenn man dann tatsächlich ein Engagement ergattert hat oder ein paar Drehtage, dann muss man proben, Text lernen, recherchieren, seine Figur erarbeiten. Das sind alles Dinge, die zur Arbeit gehören und das wird nicht bezahlt.

Der Bundesverband für Film- und Fernsehschauspieler (BFFS) engagiert sich glücklicherweise dafür, die Situation der Schauspieler zu verbessern. Doch auch sie beklagen den katastrophalen Umgang mit Schauspielern am Set und das Gagendumping beim Nachwuchs. Sie schildern den Beruf des Schauspielers als einen „Beruf mit den Nachteilen von abhängig Beschäftigten und dem Risiko von Selbstständigen.“ Das führt dazu, dass viele Schauspieler nah an, bzw. unter der Armutsgrenze leben. Von Altersvorsorge einmal ganz zu schweigen. „Berühmt, aber arm“ fasst ein Artikel des NDR die Situation der Schauspieler zusammen. Und die meisten Schauspieler sind noch nicht einmal berühmt.

Was also tun?

Wenn ich einmal das magische „Was wäre, wenn…“ des Vaters zeitgenössischer Schauspieltheorie, Konstantin Stanislawski, ausleihen darf, möchte ich ein kleines Gedankenspiel vorschlagen. Was wäre, wenn alle Schauspieler des deutschsprachigen Raums einige Zeit streiken würden? Mir ist klar, dass das nicht passieren wird. Schauspieler arbeiten einfach viel zu gern. Aber angenommen, man würde das mal durchziehen. Monatelang kein Theater, keine Daily Soap, kein Sonntagskrimi, keine neuen Kinofilme. Einige erinnern sich vielleicht noch an den Streik der amerikanischen Drehbuchautoren? Der hat so manche Fernsehserie kaputt gemacht (Heroes zum Beispiel, oder Lost). Wenn jetzt alle deutschsprachigen Schauspieler sich absprächen, auch die, die jeder kennt, vielleicht würden die alten Vorurteile endlich einmal überdacht werden. Schauspieler sind nicht mehr das fahrende Volk, als das sie zu Goethes Zeiten noch  betrachtet wurden (Ich empfehle hierzu die Lektüre von Wilhelm Meisters theatralische Sendung). Es ist ein Beruf, den man lernt, für den man hart arbeiten muss, bei dem man im Grunde nie frei hat. Zugleich hat der Schauspieler nur sich selbst als Material. Das heißt, er muss permanent auf sich Acht geben, um sein Material nicht zu ruinieren. Wenn ich am Schreibtisch sitze und bin ein bisschen erkältet und meine Stimme kratzt, macht das nichts. Als Schauspieler ist man geliefert, wenn man erkältet ist.
Angenommen also, alle Schauspieler würden streiken. Das könnte so aussehen, dass in der Daily Soap die Schauspieler nicht mehr die zusammengestümperten Platitüden aus dem Drehbuch möglichst überzeugend interpretieren, sondern sich vielleicht direkt in die Kamera wenden und auf ihre Situation aufmerksam machen. Da müssten natürlich die anderen am Set eingeweiht sein und mitmachen. Aber da die auch Künstler sind und auch nicht viel zu lachen haben, denke ich, das ließe sich einrichten. Vielleicht tritt dann jeder vom Set vor die Kamera und schildert seine Situation und stellt sich vor. Dann ist das auch nicht mehr anonym. Es ist nämlich ein Unterschied, ob Silvia Seidel an ihrem Beruf zugrunde geht, oder ob die Künstler sowieso alle selber Schuld sind. Einzelschicksale veranschaulichen eine allgemeine Situation und machen sie nachvollziehbar. Mit Einzelschicksalen empfindet man Mitgefühl und Empathie. Eine anonyme Masse pauschal zu verurteilen hingegen ist leicht.
Auch auf den Theaterbühnen könnten bei einem Generalstreik der Schauspieler die Betroffenen ihre Situation schildern und sich vorstellen, anstatt das Stück zu spielen. Volker Lösch, falls Sie das hier lesen, machen Sie doch als nächstes im Hamburger Schauspielhaus ein Stück mit ausgebildeten Schauspielern, die auf ihre beschissene Situation aufmerksam machen. Die Stücke mit den Arbeitslosen haben auch schon für Furore gesorgt. Es hat sich zwar an deren Situation wohl kaum etwas geändert, aber immerhin hat man eine zeitlang darüber gesprochen.
Das dürfte natürlich nicht zu kurz dauern. Sonst ist das alles nur ein Strohfeuer. Dann sitzen die, die Einfluss haben, das einfach aus und es ändert sich nichts. Wenn es aber lange genug dauert, die Schauspieler endlich aufstehen und sich diese Scheiße – mit Verlaub – nicht mehr gefallen lassen, dann wird vielleicht endlich einmal ein Bewusstsein dafür geschaffen, was wir an den Künstlern haben.

Bis dahin habe ich noch einen Rat an die Schauspieler. Es ist nicht schlimm, sich für einen anderen Beruf zu entscheiden. Ich selbst habe das auch getan und ich bin glücklich. Wer A sagt muss nicht B sagen. Er kann auch einsehen, dass A falsch war und sich für C entscheiden. Wichtig dabei ist, ehrlich mit sich zu sein. Wenn es eine Verzweiflungstat ist und man dem Schauspielberuf hinterhertrauert, ist es die falsche Entscheidung. Empfindet man bei der Entscheidung aber wie ich eine ungeheure Erleichterung und findet man seine Erfüllung beispielsweise im Schreiben von Texten, dann ist es die richtige Entscheidung. Ich bin froh, mich dagegen entschieden zu haben. Ich habe großen Respekt vor denen, die das Schauspiel trotz dieser katastrophalen Arbeitsbedingungen weiter machen wollen. Aber fragt euch, ob ihr das wirklich wollt und ertragt die Bedingungen nicht einfach stillschweigend und brav, weil ihr glaubt, ihr hättet weniger Rechte, als andere Menschen. Seid stolz und lasst euch nicht für dumm verkaufen. Und ihr seid nicht einfach nur selber Schuld, wenn das Schauspiel eure Leidenschaft ist. Aber wenn es das nicht ist, seid ihr zu nichts verpflichtet. Ihr könnt euch immer umentscheiden. Wofür auch immer ihr euch entscheidet: Die Schauspielerfahrung als Training fürs Leben zu betrachten und einen anderen Beruf zu wählen. Oder euch ins Schauspielgetümmel zu stürzen. Hört auf euer Bauchgefühl und folgt eurer Intuition. Und dann steht zu dieser Entscheidung. Wenn ihr das nicht könnt, war sie falsch. Aber dann ist es auch noch nicht zu spät. Sich umzuentscheiden ist keine Schande.

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26. Stück: Theater als ephemere Kunst

Häufig frage ich mich, warum ein Theaterstück, das einem auf der Bühne vor Spannung den Atem raubt, einen zu einem Spontannickerchen verleitet, sobald man es auf Video schaut. Ich glaube, das liegt in der Natur der Sache. Theater ist eine ephemere, eine vergängliche Kunst. Jede Aufführung, jedes Publikum, jeder Abend ist anders. Es war vorher nie so, wie an diesem Abend und wird auch nie wieder genau so sein. Diese Vergänglichkeit ist es, die einem Theaterabend seine Magie verleiht, der aus Publikum und Schauspielern für ein paar Stunden zu Komplizen, einer eingeschworenen Gemeinschaft macht. Wenn man versucht das auf Video zu fixieren, ist der ganze Zauber im Eimer.

Leider gibt es immer wieder auch Theaterproduktionen, die das Ephemere zu ignorieren suchen. Heraus kommt ein ungemein anstrengender Theaterabend, in der die Schauspieler wahlweise in ein unerklärliches Inszenierungskorsett eingesperrt werden oder sich selbst so eitel und selbstverliebt gegenseitig beim Spielen bewundern, dass der Zuschauer sich ausgeschlossen fühlt. Wenn man sich selbst (und gegebenenfalls auch seine Kollegen) beweihräuchern möchte, kann man von mir aus ja gern sich irgendwo in einem Probenraum einschließen und sich gegenseitig super finden, aber wenn man beschließt, vor Publikum zu spielen, muss man auch für das Publikum spielen. Als Regisseur muss man sich selbst auch mal kritisch in Frage stellen und prüfen, ob man wirklich jeden eitlen Einfall, den man hatte, den aber außer man selbst keiner kapiert, partout auf die Bühne bringen muss. Bevor mich jemand missversteht. Ich bin nicht gegen Anspruch und das Verhandeln heikler gesellschaftlicher und politischer Fragestellungen auf der Bühne. Im Gegenteil. Bin ich sehr für. Aber man muss doch als Künstler auch ein Interesse daran haben, diesen Anspruch und diese heiklen Fragen auch dem Publikum zu vermitteln. Sonst ist es nämlich nichts weiter als ein selbstverliebtes Sich-toll-finden und das ist nervig und lästig und sollte bestenfalls keinem Publikum zugemutet werden. Das Ephemere des Theaters sollte parallel zur Vergänglichkeit des Lebens nämlich einfach mal ein ganz klein wenig demütig stimmen. Nicht devot, das ist etwas anderes, aber demütig. Dann entsteht auch wieder häufiger die Magie des Augenblicks und das Eingeschworene zwischen Schauspielern und Publikum, die das Theater einzigartig machen und die man nicht auf Video festhalten kann. Neben dem ephemeren Charakter ist auch die „leibliche Ko-Präsenz“ (z.B. Erika Fischer-Lichte), also das zur selben Zeit am selben Ort sein von Publikum und Schauspielern, für das Theater unentbehrlich. Theater, heißt es, findet statt wenn Schauspieler A eine Figur B spielt während Publikum C zuschaut. Heute, in Zeiten von Massentauglichkeit von Happenings, Performances, Hybridformen von Tanz, Musik und Theater, etc. kann man das sogar noch weiter reduzieren. Theater ist, wenn A etwas macht und C schaut währenddessen zu. Das klingt zunächst willkürlich und langweilig, wird aber gerade durch das Ephemere zu etwas Einzigartigem, das sich nie zuvor so ereignet hat und auch nie wieder in exakt dieser Form sich ereignen wird.

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